“12 hombres en pugna”, es reconocida por el ex rector de la UNAM, Juan Ramón de la Fuente

En una noche sin soledad no se pudo más. Se Juzgó 12 labios, ahogados en amor a la actuación y al teatro ¿El móvil?, ¡la develación de placa por las 212 representaciones de la obra 12 hombres en pugna!, la cual, apadrinó el ex Rector de la UNAM Juan Ramón de la Fuente, en un Teatro Helénico, con lleno total.
La función de este viernes 19, fue en realidad la número 250, y no la 212, al respecto, Jorge Ortiz de Pinedo, productor de esta puesta en escena aclaró:”por cuestiones cabalísticas decidimos develar placa con 212 representaciones, pero en realidad, esta noche suman 250.”
Entre el público destacó la presencia de la actriz Patricia Reyes Spíndola, la venezolana Alicia Machado, Miss Universo (1996), la presidenta de la Fundación Michou y Mau, Virginia Sendel Iturbide y el invitado de honor, Juan Ramón de la Fuente, quien subió al escenario al final de la función y dijo:
“Declaro culpable a este grupo por hacer un gran teatro…. Y ayudarnos a entender mejor la complejidad de nuestra naturaleza humana.”
Cuando fueron las 112 representaciones, el periodista Jacobo Zabludovsky se encargó de develar la placa, junto a los histriones Aarón Hernán, David Ostrosky, José Elías Moreno, Juan Ferrara, Marco Uriel, Miguel Pizarro, Miguel Rodarte, Patricio Castillo, Roberto Blandón, Rodrigo Murray, Salvador Pineda e Ignacio López Tarso, quienes actualmente siguen siendo la plantilla que representa la obra creada por Reginal Rose, en 1957, en los Estados Unidos.
Por eso los 12 personajes de la historia, se sitúan en Norteamérica. Son miembros de un jurado con la responsabilidad de dictaminar, una posible pena de muerte sobre un joven de 16 años, al ser acusado de asesinar a su padre, con una navaja, en el pecho.
Los diálogos de 12 hombres en pugna versan en el valor de la vida humana, cuestiones de discriminación y racismo a negros e hispanos, el maltrato a los ancianos, y sobre todo, a lo absurdo de la doble moral que rige en la humanidad, especialmente en la sociedad norteamericana, al percatarse cada uno de los miembros del jurado, que todos mantienen patologías en su vida cotidiana, y son potencialmente unos asesinos.
12 hombres en pugna, terminará el 3 de enero. Se prevé una nueva temporada en febrero del próximo año.

En su segundo aire de vida, Keanu Reeves estrena en México El día que la Tierra se detuvo

El actor norteamericano Keanu Reeves, popular por su papel de “Neo” en la trilogía de Matrix estrena el día de hoy en México, su filme más reciente, El día que la Tierra se detuvo/The day the herat stood still.
Su visita a nuestro país la realiza junto a Scott Derrickson, director de esta nueva versión.
La historia es la de un extraterrestre de nombre “Klaatum” (Keanu Reeves) con forma humana, que llega inesperadamente a la Tierra para intentar prevenir a los terricolas sobre los peligros del calentamiento global, y los constantes conflictos bélicos.
La misión de este ente, inicia con un ultimátum a los principales gobernantes del mundo, diciéndoles: de no cambiar sus políticas nocivas hacia las demás especies que habitan el planeta, destruirá a todos los humanos.
Esta cinta del 2008, se convierte en la segunda adaptación de un clásico de la ciencia ficción, creado originalmente por el director Robert Wise en 1951.
“En la versión original, el problema era la Guerra Fría, ahora tuve que adaptarla a problemas distintos que aquejan a la humanidad.” Aclaró el directo, Scott Derrickson.
La prensa especializada dedica a la crítica de cine, en Estados Unidos, considera a El día que la Tierra se detuvo como un Remake, y los reporteros mexicanos abordaron ese asunto, al preguntarle a Keanu Reeves, si ¿basarse en una película que ya fue hecha, no demuestra falta de creatividad en las producciones norteamericanas?
“No ha habido secuelas de esta historia. Es válida una versión moderna. El cine de Norteamérica retoma los clásicos, siempre contando las historias de forma diferente.”
Al concluir su respuesta, Scott Derrickson aclaró: “muchos la odiaran, pero no serán capaces de dejar de sentirse que son parte de los personajes que se ven en la pantalla”
Las obvias diferencias entre la versión de los años 50’ y la del siglo XXI, son los efectos especiales, a lo cual Derrickson afirmó: “Lo visual es espectacular, como todas las cintas Hollywoodenses, pero mi reto fue que no se quedará en ese plano, tuve que encontrar un equilibrio, con los recursos tecnológicos y el drama intimo.”



Por su parte, Reeves, de 44 años de edad, quien es reconocido por su protagonismo en las películas Drácula de Bram Stocker, dijo sentirse en la segunda etapa de su carrera profesional en Hollywood y en su vida, “y es un gran reto que estoy comenzando”, aclaró sonriente ante los medios de comunicación que fueron convocados esta tarde en un lujoso Hotel de la ciudad de México, ubicado sobre Paso de la Reforma y la calle de Burdeos.
La conferencia fue breve no duró más de treinta minutos, y entre las preguntas formuladas a Keanu Reeves y al director Scott Derrickson destaca el cuestionamiento de una posible crisis en las producciones de la Industria Cinematográfica de los Estados Unidos, debido a la recesión económica que atraviesa, esta nación y el mundo entero.
“No habrá un colapso cinematográfico. Habrá un cambio paulatino en el sistema cinematográfico, para ser más eficientes en todas las áreas. El cambio no será toral, y todos los que estamos en esta industria trabajaremos en conjunto para darle más calidad al público.” Respondió el director del filme que se estrena este día, de forma simultánea en Estados Unidos y en países europeos.
En cambio, la respuesta de Reeves fue más general y la centró en un discurso de miren la nueva película, “si todo mundo tuviera educación y trabajo no habría tantos problemas. Por eso quiero que vean este nuevo filme, donde se habla del trabajo del ser humano para cambiar sus modos de vida. Les aseguro que al verla se sentirán reconocidos a sí mismos, y con la fortaleza de restituir cualquier crisis que se presente en la humanidad.”
La primera versión de El día que la Tierra se detuvo ocasionó temor en los espectadores de esa época.
“Claro, se hablaba de una Tercera Guerra Mundial con bombas atómicas”, -- dijo Scott Derrickson— quien agregó, “en mi versión no me interesé en espantar a la gente, sino que se sientan reflejados y reconozcan los líos en los que nos hemos metido la raza humana, y las consecuencias, el dañar la naturaleza”.
Antes de terminar la conferencia Derrickson dejó en claro: “No quiero decir que este es el mensaje de la película, me disgusta que digan algunas personas acerca de las cintas, debes encontrar este mensaje que propone el director, eso es absurdo, cada quien interpreta lo que desea, y mi intención como director de cine es motivar e impulsar con mis películas a ser mejores”.

Despedidas indelebles de Perú

El fin de un camino es el inicio de otro. Desde el mes de septiembre artistas iberoamericanos enfocados a distintas disciplinas como son: la pintura, la danza, la literatura, el performance y las artes visuales, se encuentran en México, para intercambiar sus experiencias y mostrarlas al público mexicano en la I Muestra de Arte Iberoamericano.
Lucía Monge Portillo, originaria de Lima, Perú, es parte de esta comitiva artística, se dedica a las artes visuales y presentará a partir del día de mañana y hasta el 13 de diciembre la exposición “Pañuelos de despedida”, en la Galería Central del Centro Nacional de las Artes (CENART).
Su persona irradia tranquilidad. Las palabras: “Chévere” o “huevon”, fluyen como si compartiera el pan, siempre con amabilidad, con una sonrisa calida, con la cual ilustró sus palabras “No sé que tan buena artista soy, pero me divierto.”
“Realicé cinco talleres en Oaxaca. Cada participante recibía un pañuelo, para escribir y dibujar con plumones una despedida a las problemáticas familiares o algún ser querido”.
La tela al quedar impregnada con sentimientos de recriminaciones, deseos y añoranzas, se sumergía a un recipiente con agua para diluirse y borrarse lo trazado. Este proceso, es una forma de desprenderse de la presencia que nos afecta.
“Los recuerdos acompañan. Dejan una marca y eso, sucede con los pañuelos que son sumergidos y dejan manchas. Son un símbolo de desprendernos del pasado, escoger las experiencias, y rescatar momentos útiles para el futuro.”
Los restos de lo plasmado en la tela, para no esfumarse, se resguardan con plumones indelebles, y bordados con hilo de colores, y así, se crea una forma de rescatar lo desaparecido y dejar de ser un manchón.
La exposición a inaugurarse mañana jueves, se conforma de los pañuelos donados por la gente que asistió a los talleres, y junto a ellos, los tres pañuelos de despedida creados por la risueña artista de 25 años Lucía Monge.
Sus coloridas telas cuelgan de un hilo, y el espectador los podrá tocar, y apreciar como son rodeados por unas cajas negras que contienen la explicación: el proceso de realización. De interesarle al público, se indica cómo “llevar a su casa este rito dedicado a los procesos de la vida y la muerte”.



Lucía, preparaba los detalles de su exposición. Su semblante de emoción por estar a unos días de probar cebiche en su pueblo natal, además de un aire de cierta nostalgia por concluirse su estancia en México, y decidió relatar sus experiencias en nuestro país:

--¿En tu estancia de tres meses qué realidades encuentras en México?

--La diversidad. No es necesario alejarse de un lugar, para encontrar mundos de pobreza, pegados a la opulencia de otros. Eso es muy similar en Perú.

--¿Los pañuelos cómo decidiste utilizarlos como técnica en tus trabajos?

--Nunca había bordado en mi vida. He aprendido en mi estancia en Oaxaca, la señoras se dan tiempo para coser, y me enseñaron, ahora, lo hago como si dibujara con el hilo.


--¿Buscas la agitación como reacción en el espectador?

--Más que agitación es una forma de aligerar el viaje. Es expresar que cargamos con tantas cosas. Les brindo una herramienta a quien desea aligerar su vida. Cuando la gente lo ve, es imposible no adentrarse emocionalmente.

--El 15 de diciembre regresas a tu país, ¿qué experiencias te llevas?

--Me llevo la sensación de que tengo que volver. Me gustó la cultura popular, conocer los mercados, sus olores y convivir con las personas. Por supuesto, es gratificante estar con artistas de otros países, pero se aprende más de la gente como gente.


--¿El arte visual discute los problemas sociales a partir de sus vivencias?


--Algo curioso me sucedió. En las calles me miraban un montón y algunos hasta se acercaban a preguntarme: ¿niña, quién te golpeó? Paseaba con mi novio por las calles del centro de Oaxaca, él vino a visitarme de Perú, al estar de intercambio con otros artistas Iberoamericanos, al avanzar en nuestra caminata le recriminaban: “¿él es tu novio o esposo?”
--Tímidamente respondí, es mi novio
--¿Entonces ya tiene derechos sobre ti? ¡Mira como te ha dejado el pómulo izquierdo!, y tus labios, ¡son totalmente morados y con sangre seca!
En esos momentos que relató Lucia Monge, artista visual originaria de Lima, se sintió apenada, “ellos consideraban: si es tu marido está justificado el maltrato contra mi persona”.
“No supieron del origen de ese moretón debajo del ojo, me lo propicié en un accidente, al lastimarme con la estructura que sostenía una hamaca.”
“Involuntariamente viví una forma de violencia, sin ser violentada en mi piel. Sin embargo, para ellos así fue.”
Eso me dio vergüenza, pero me hace reflexionar, sobre la magnitud de violencia contra las mujeres, que se ha vuelto cotidiano en Latinoamérica y en México, donde son frecuentes las golpizas a las mujeres.

La poesía, una puerta para no dejar de ser niños

Hace cinco años Mercedes Calvo dejó las aulas uruguayas, no así, su vocación de enseñar poesía a los niños.
A sus 59 años, nunca ha publicado un libro, pero en el 2009 lo podrá hacer, a través del Fondo de Cultura Económica. El motivo, ser la ganadora del V Premio Hispanoamericano de Poesía par Niños 2008. El cual recibió esta tarde, en una ceremonia realizada en el Papalote Museo del Niño, por su texto: Los espejos de Anaclara.
“Es un estimulo maravilloso. Con los 200 mil pesos me incita a continuar escribiendo y estar cerca de los niños.”
Afirmó la ganadora Mercedes Calvo, maestra jubilada de primaria, quien se veía sonriente y se ruborizó su piel blanca, al contrastar evidentemente con su vestimenta negra y su cabellera plateada.
El Premio Hispanoamericano de Poesía lo organiza La Fundación para las Letras Mexicanas, desde el año 2003. Es un concurso donde pueden participar de todas las nacionalidades.
Anteriormente lo habían ganado los escritores Javier España, con La suerte cambia la vida, María García Esperón, Tigres de la otra noche y Níger Madrigal fue su último ganador en el 2007 con su libro titulado: Rutinario.
Mercedes Calvo se convierte así, en la primera extranjera en obtener el premio. En cuanto a la publicación de su obra contará con ilustraciones y “es un libro que trata de que no hay diferencia entre la fantasía y la realidad. De que la apariencia y lo real son dos caras de la misma moneda”. Precisó su autora.
Al término de la ceremonia, Mercedes Calvo mantuvo una conversación con un grupo de niños, en el “Patio de la Chimenea”, situado al interior de éste Museo ubicado en el Bosque de Chapultepec.
“La poesía está tan cerca del corazón. En ocasiones al escribir es necesario mostrar nuestras creaciones. Da vergüenza, pero hay que dársela a leer a alguien, sino lo compartimos no es poesía, porque se hace de dos”.
Estaban inquietos, se distraían al voltearse a ver unos a otros, pero interactuaban con Mercedes, su atención fue total, cuando les contó sobre las perdidas humanas y les explicó un poema cuando los niños se sienten tristes, al vivir una ausencia, de alguien que quieren.

“Lo escribí para mí hija cuando era pequeñita, y falleció la abuela, dice así:

Por el umbral del cielo viene la abuela
Trayéndome manzanas para la escuela
se detiene en la puerta. No quiere entrar.
Cae la lluvia de junio sobre el cristal.
Frota las manzanas sobre su pañuelo.
Y cada vez que hay tardes que llueve
Mientras ella seca los aguaceros.
Toda la tarde hablamos.

Al terminar de leerlo indicó: “Lo escribí porque en ocasiones nos dan gana de hablar con nuestros muertos, y al hacerlo ayuda. Tranquiliza al dolor”.

Mercedes Calvo, fue su hada de la realidad, la reyna de la poesía infantil. Permitió compartir ese momento y obsequiar unos minutos para conversar.

Mercedes ¿Cómo estimulas la lectura en los niños?

--La he estimulado a partir de la escritura. He procurado que los niños escriban poemas y al hacerlo, se da la ida y vuelta escritura y lectura. Es importante hacerles sentir: leer es una necesidad, porque si les obliga, será una rutina.

¿Hay distintos códigos para escribir un texto de poemas para niños y a los adultos? De ser así, ¿se requiere persuadir con más metáforas?

--Más que códigos y diferencias. Los niños son más sensibles a la parte musical de la poesía; la rima de las palabras. En cuanto a los temas no creo que haya alguno en específico, y sólo para niños. Eso sería erróneo, porque se les pueden plantear todos los temas, al ser inquietud.

¿En sus recuerdos, cómo era su infancia?

--Lindisima, y lo sigue siendo, porque no es un lugar que pasó y le cerré la puerta. En absoluto, sigo recurriendo y voy seguido, no sólo para conseguir material para los niños, sino para pasarla bien, simplemente. Todos deberíamos dejar abierta esa puertita.


En ocasiones no se da la importancia a los gustos y necesidades de los niños, mucho menos se dedica poesía para ellos

--Se le están dando muchas cosas a los niños, el problema es que son equivocadas, un niño necesita sobre todo un oído, más que atosigarlo con juguetes, es importante darles tiempo y eso, nos falta en este mundo, para poder escuchar y estar ahí, a su lado. Y no hay nada que sustituya la presencia de los padres y los relatos de la abuela.


Las tradiciones orales se pierden, el narrar leyendas que se sabía la abuela cuando niña, eso ya no se transmite, ¿por qué?


--Intento mostrar la existencia de ese mundo olvidado en mi libro. Ese vivir en un mundo de fantasías, que no quiere decir que sea inventado, porque el mundo real, el de todos los días, también está lleno de lo fantástico

¿Existen poemas que atesora en su vida?

Recuerdo un poema del escritor salteño, Enrique Amorim, (Uruguay), me gustaba por la música de las palabras, porque el contenido no lo entendía cuando niña. Un fragmento decía:
“Todo está dicho ya/ y en los colores/ se desmayan pinceles.
Labra el silencio cofres de arreboles/ y en el aire hay nostalgias de bajeles.”
Lo recuerdo con cariño, al no haber entendido qué eran “arreboles” y “bajeles.”

¿Cuál es el reto al escribir poesía para niños?

--No cerrar la puerta, ni dejar de ser niños

Los ganadores de la XIII Bienal de Fotografía son Andrés Carretero y Gerardo Montiel Klient, cada uno recibirá 75 mil pesos y a partir del próximo 2009 viajara sus obras para ser exhibidas por un lapso de dos años por toda la República Mexicana.
Hay que recordar que el Centro de la Imagen institución dedicada en la realización de esta expresión artística, cada 24 meses, cumplirá 15 años de su fundación, el próximo 2009 ,y se tiene programado unir en la Bienal de Fotografía exhibiciones de trabajos de importantes festivales internacionales como el FotoFest, PhotoPoland, y el Grange Prize.
El fotógrafo ganador de esta edición, Gerardo Montiel Kliente un tipo con visiones chamanescas, quizá por el grosor de sus lentejuelos, es capaz de sacarle filo a las navajas debido a sus picudos adjetivos con los que habla veamos sus adjetivirijillos. ¡Correle Pascual! echala tinta digital
¿qué no vez que debo decir la importancia de este premio instituido en 1980?

mejor vayamos contigo Gerardo Montiel, tendrá parentezco con el ¿Ex Gobernador del estado de México? ese es hilo de otro calzón.

Hola Gerard cómo estás, me intriga ¿Por qué participasté en la Bienal de Fotografía?

--Es un espacio de trabajo realizado a largo de dos años, en el campo fotográfico. La característica posterior es convertirse en foro itinerante, porque las mejores piezas son exhibidas por toda la Republica Mexicana.
Los fotógrafos en las bienales deben mantener contacto con los espectadores, y saber si consideran que realmente la selección que se les presenta es lo mejor de arte público. Enriquece nuestro trabajo para confrontarlo.


Y esa confontación suena bien paique, pero¿dónde se sitúa el arte público en México?

--Ver exposiciones en las calles fue de los movimientos de los setenta, donde se presentaban expresiones políticas y culturales, debido a que no había espacios para exhibirse el trabajo de artistas pintores, escultores y fotógrafos.
En la actualidad hay más creadores, con más obras, pero han reducido los colectivos para promocionar el trabajo. Considero que antes había camaradería, ahora estamos dispersos. No existe la idea de agruparse los fotógrafos para exponer en conjunto.
La explicación de la desunión puede ser que en el movimiento del 68´ había cohesión por lo sucedido ese año, en cambio ahora somos egoístas con nuestro tiempo.



Es un hecho, 75 mil pesotes vas a recibir por ganar la Bienal, ¿en qué se centró tu trabajo? para que la competencia no te viera el galopar de tu lente.


--Son 21 piezas donde muestro la violencia en México. A través de una búsqueda de quiénes somos ahora, qué sucede en el país, a partir de un lado oscuro, de la perspectiva que no queremos ver la realidad, sobre todo me enfoqué a retratar la violencia de género, la carencias para cultivar el campo, los indocumentados, problemas sociales que son vistos como sólo darle la vuelta el periódico.


¿Tus fotografías son un medio ideal para criticar lo que no transmite la televisión?

--No considero que realice una crítica, es más un mensaje de reflexión de dónde estamos parados, y cuáles nuestra realidad en México, que la violencia de género no es solo las Muertas de Ciudad Juárez, la violencia contra las mujeres se realiza todos los días, en los hogares y eso se nos olvida o no nos queremos dar cuenta.


Tus pelitos enla cabeza se raspan unos a otros, a quí la dejamos, sólo una pregunta más, una más, ¿Qué tan efímero es el reconocimiento a los fotógrafos?

--Tan efímero no es. Recibes un reconocimiento y despeja tus dudas sobre si es efectivo tu trabajo. Esa resonancia mantiene a uno seguir en otros proyectos.

¡SI como chingas roqueas!

Debido al creciente número de jóvenes deseosos de ser músicos en México, surge una nueva propuesta, cada dos meses podrán presentarse 13 bandas de rock, en el Primer Festival Emergente. El objetivo, promocionar agrupaciones independientes.

“Por ahora las bandas seleccionadas para el próximo fin de semana son provenientes de Tijuana, Guadalajara, Monterrey, El estado de México y el Distrito Federal.” Comentó el músico Héctor Quijada, encargado del proyecto.

Las propuestas más destacables tendrán la posibilidad de ser grabadas por disqueras independientes como: Indirocks e Iguana Records.
Además de tener la oportunidad de tocar en un escenario, junto a grupos reconocidos como: Dildo, Nancy Free y Kill Aniston, en el Primer Festival, se les proporcionarán conocimientos integrales como:
Clases de cómo contestar entrevistas a cada medio de comunicación (Internet, prensa escrita, radio y TV), cuestiones legales en la firma de contratos, qué cláusulas pueden afectarles, compromisos con disqueras, cómo seleccionar a su manager y, sobre todo, “enseñarles que los músicos no por poseer talento, dejen de prepararse, deben de actualizarse y tomar clases de canto, y aprender a tocar los instrumentos con técnicas distintas.” Enfatizó Héctor Quijano, conductor de TV e integrante de La Lupita

Los integrantes de las bandas de rock interesados podrán ser chavos desde los 15 hasta los 25 años. La convocatoria e inscripción es vía Internet, en www.myspace.com/emergente.

Por ahora, indicó su organizador del Primer Festival Emergente, ya están decididos cuales son los grupos que tocaran: Musak, 100 lies, Totec, Welcome Tapetes, Reptil, Indn, Minimals, Los Fraks, Violetta, Cuarto Matiz, Máximo Toro, quien recientemente abrió un concierto de Dildo, Florean y Promedio Rojo.

“Deseamos que estos grupos y muchos más lo aprovechen por ser una plataforma. Les brindaremos herramientas en bandeja de plata para que ellos se valgan por sí mismos posteriormente.”
Al ser un proyecto generado por la cadena MTV le dará seguimiento y transmitirán semblanzas de cada grupo que se presente en los conciertos, a través de ActivónTV, en su segmento titulado: “Emergente”, conducido por Héctor Quijano, vocalista de “La Lupita. Y aparecerá por TV abierta, por canal 9, los días sábado.”



El Primer Festival Emergente se realizará en el “Chango”, de Cuatitlán Izcalli, el sábado 7 de diciembre.
“Seguramente vamos a cometer errores, por ser la primera vez, pero lo seguiremos haciendo para todo el 2009.” Expresó con certeza Héctor Quijano.
Se implementará cada dos meses El Festival Emergente, después de este fin de semana, la fecha programada para el próximo será el último sábado de enero, en el mismo lugar, en “El Chango”.

Los géneros puros están muriendo: Don Grusin

Dos titanes Oscar Castro Neves y el pianista Don Grusin, en el Festiva Internacional de Jazz de San Miguel Allende.
Castro Neves es fundador en Brasil, de la música Bossa Nova de los años sesenta. En cambio Don Grusin sabe apropiarse de este género y muchos más en el universo del Jazz.
El espectáculo de Grusin y Castro Neves se desarrolló en apariciones en solo y dueto.
Don Grusin considera que los géneros puros están muriendo, porque cada vez hay mas fusiones. “La globalización de la música provoca la muerte de la pureza de ritmos, lo cual es una tristeza”.

Con un trato amable y respetuoso, Don Grusin, quien desde los años 70’ tocó con Quincy Jones conversó de sus proyectos y aspectos del Jazz a nivel mundial:

Las fusiones son producto de gente joven, ¿esto produce que cada vez aumenta el número de chicos que se acercan al jazz?

--Cada vez hay mas gente tocando música, pero sigue siendo un porcentaje muy reducido, los dedicados a tocar géneros puros.
En las escuelas de música ya sea en Boston y en el Conservatorio de Música en México, los maestros son gente mayor que esta enseñando, y pocos son profesores jóvenes.

¿Los músicos situados en producciones independientes consiguen sobre vivir, en la actualidad es necesario pertenecer a sello discográficos internacionales para ser famosos?


--Es una situación compleja. Las grandes disqueras están muriendo y las independientes están creciendo. Cada vez hay más. En casa cualquiera puede grabar un disco de buena calidad. Los aparatos para hacerlo se han vuelto baratos. Por ejemplo yo puedo vender discos en China, gracias a la Internet. Era impensable.


¿Cómo forjaste tu vida como pianista?

--Nací siendo músico. Escuché música desde bebé. Mi padre era violinista. Por eso desde siempre supe que sería músico. Tal fue mi seguridad que me dediqué a ser economista. Lo hice porque sabía que en mi interior ya era músico, entonces podía desempeñar otras actividades, porque mi destino no cambiaría.

La calidad en tus interpretaciones es un distintivo, pero ¿cómo consigues impregnar en el público la sensación de calidez a pesar de que en sus vidas cotidianas se sientan abrumados por sus historias de vida?

--Entre el artista y la audiencia hay una serie de etapas. Yo mando un mensaje con mi música. A su vez, la audiencia me responde con opiniones y comentarios. Es entonces cuando se vuelve una comunicación llena de energía.
Al final tanto el músico y la audiencia terminan tocando de algún modo.

Además de la música ¿qué te satisface el espíritu?

--Me gusta vivir el presente, sin oír las voces en mi cabeza. Prefiero vivir el hoy.

Cuando se está trastornado mentalmente, y el cuerpo se siente dispuesto para tocar, ¿ese choque de emociones se transmite a la audiencia?

--No cancelaré presentaciones. Normalmente puedo tocar, aunque atraviese momentos amargos. En esos momentos es cuestión de controlar las emociones.

¿La ciudad de México tendrá la fortuna de escucharte próximamente?

--Abraham Laboriel me dijo: “tiene mucho que no tocamos juntos, ¡debemos hacer algo!” Al parecer está organizando un concierto en el Distrito Federal, de ser así estaremos acompañados de Alex Acuña.

La luz de Daline Jones

La cantante de jazz Daline Jones y el baterista mexicano Antonio Sánchez y su Trio se presentaron el sábado en la noche en el Teatro Ángela Peralta durante el segundo día de actividades del Festival Internacional de Jazz de San Miguel de Allende.
Por un lado, sensualidad cobriza dotada de energía vibrante fue lo transmitido por la mujer capaz de iluminar las sombras con cada sonido de su voz.
Daline Jones nacida en Nueva York interpretó canciones como: “Meditación” y “Rusk 66” las cuales dejaron pasmado a más de uno, al fusionar Soul y Bossa Nova.
El remate de la noche, le correspondió a Antonio Sánchez Trío compuesto por el saxofonista puertorriqueño, el morenazo David Sánchez y el contrabajista británico Orlando Lefleming.
Antonio fue capaz de entusiasmar y dar un viaje con los redobles y agitaciones en la batería. Al dejar su corazón y acciones donde demostró por qué es considerado uno de los mejores a nivel mundial.
Daline Jones dedicada a fusionar con sus interpretaciones el folclor de cada país, conversó para N22 antes del concierto realizado en el teatro que fue dedicado a la soprano mexicana, originaria de Mazatlán, Sinaloa, Ángela Peralta, quien falleció un 30 de agosto, hace 125 años.

Daline, los músicos norteamericanos que visitan México ¿prefieren presentarse en San Miguel de Allende, debido a la creciente comunidad estadounidense que radica aquí?


--A mi me gusta sentir la energía de la gente, ya sea de San Miguel o de la ciudad de México. Por eso he decidido titular mi nuevo disco: Escuchando a la luz.

Una retrospectiva de tu vida ¿como iniciaste a ser cantante?

--Desde muy joven. Inicié mi carrera en la adolescencia al cantar con distintas bandas de jazz en clubes de California.

¿Como decidiste enfocar tu vida al Jazz?

--Desde mi infancia. Nací y crecí en Nueva York junto a mis padres, quienes después se separaron, pero me apoyaron en todo momento. Él era artista y poeta. Además le encantaba el jazz. Ponía discos de Ella Fitzgerald, y otros grandes músicos.

¿Por que realizaste tu carrera en Los Ángeles y no en Nueva York?


-- Tuve que irme con mi mamá y mis cinco hermanos, de la cual, soy la mayor. Mi padre era afro americano y mi madre blanca. Un gran contraste. Por eso en ocasiones mi voz suena con tonos de afro.

¿Qué significa el silencio en tu vida?

--Me encanta el silencio. Aunque soy musical, me encanta la ausencia del sonido. Creo que cuando estamos en absoluto silencio es cuando podemos escuchar la luz.


¿Por qué decidiste radicar en México, desde hace 3 anos?


--Por amor al público mexicano. Son muy receptivos. Contrario a la sociedad de Estados Unidos y su inmensa oferta de bandas y músicos de jazz. Lo que provoca, que la gente en mi país no tenga el mismo recibimiento a toda la música.
He tenido más oportunidades en tan sólo 3 anos en México, en comparación del tiempo que viví en Estados Unidos.


¿Hay casos de músicos norteamericanos que preferirían estar en México?

--Me he sorprendido de encontrar grandes oportunidades en México y donde hay músicos talentosos.
Las oportunidades en México la convierten en una nación secreta, para quienes no lo conocen. Los artistas en Estados Unidos no esperarían la escena del jazz que hay aquí.
Por ejemplo mi pianista es Diego Ramírez, es el mejor y tan sólo tiene 35 anos y ya es un monstruo.


¿Hay sonidos en la vida de Daline Jones que se han convertido en pesadillas?

--Cualquier sonido es interesante. Sin embargo, no me gusta oír el dolor de animales y personas.

Las noches de jazz en San Miguel de Allende

En el Centro de San Miguel Allende el mestizaje cultural es uno de los elementos que literalmente lo vuelven parte de la humanidad. Al encontrarse más de 180 nacionalidades cohabitando en esta ciudad, situada al norte de Guanajuato.
En el ambiente hay algo novedoso, es la temporada del año, cuando los latidos del invierno estremecen con mayor intensidad a sus pobladores y turistas, al ser motivados no precisamente por los magueyales, ni las decenas de calles empedradas que suman pasos de más y más zapatos.
Lo destacable es una celebración anual, la XIV edición del Festival de Jazz que se realiza en este poblado del Bajío Mexicano.
La estructura ósea de los edificios, son ejemplo de casonas y haciendas coloniales, consideradas patrimonio de la humanidad. Durante el día, los oriundos sólo las pueden administran y laborarlas en su interior como camareros, encargados, ayudantes generales, meseros y vendedores de artesanías.
Eso sí deben cumplir con un requisito, ser bilingües, hablar inglés, porque, la oleada de extranjeros que han venido a radicar, principalmente de Estados Unidos, son pensionados, y han decidido habitar la principal zona, el casco viejo, el Centro Histórico, y ahora exclamado Patrimonio de la Humanidad.
Los comercios son la parte medular para subsistir, al abundar una cantidad obscena de restaurantes, hoteles y casas dedicadas a la venta de artesanías, que se erigieron en el Siglo XVIII.
Su arquitectura ha sido rebautizada con pintura y cemento que les da juventud, al embellecerse sus fachadas con un su segundo aire. Con texturas rugosas y lisas implicadas de colores cacofónicos, como el naranja, hasta verse aquellas construcciones roídas y sin mantenimiento, debido al dueño, que no tiene los recursos necesarios, ni el apoyo municipal, ¿y si fueran sus propietarios una pareja de gringos qué sucedería?
Eso sí, aunque sea mexicano o de otras latitudes mundiales, quien tenga estas propiedades en su poder, sus portezuelas de madera, seguirán exhibiendo uno de los tantos letreros pegado en cartulina, que han de decir; “se solicita mesera, con dominio del Inglés”.
En cuanto a los pobladores nativos de San Miguel, ya son pocos los que habitan, en su Centro Histórico, debido a la necesidad de vender sus terrenos, y los que viven en las periferias, en el otro San Miguel, han dejado de sembrar, de laborar en fábricas de textiles.
Su forma como obtienen su alimento es prácticamente de brindar servicios turísticos. Abundan las escuelas que proporcionan planes de estudio en administración hotelera, porque la abogacía y la medicina ya no da resultados. Sus profesionistas egresaron de universidades en Monterrey, en San Luís y Querétaro.
Al haberse convertido San Miguel de Allende en una Frontera con Estados Unidos, sólo que es una frontera situada al centro del República Mexicana.
¡El tiempo ya está! Su presencia es innegable, y se acerca su apogeo, de la XIV ocasión que se ha instalado desde este fin de semana en San Miguel de Allende, en su Festival Internacional de Jazz, que inició el viernes pasado con un concierto a cargo del grupo San Miguel Jazz Cats.
Las actividades concluirán el 4 de diciembre con las bocanadas de personalidades como la cantante Iraida Noriega y el guitarrista versátil Jymmy Dillon.
Los lugares donde se realiza cada concierto, han sido planeados para pasar las noches, en que desciende la temperatura, y se incrementa el calor del cuerpo, en los teatros y plazas como el Ángela Peralta y la Luciérnaga.
San Miguel Jazz Cats, los encargados de la apertura, experimentaron un momento lejos de multitudes, al no hacerse visibles, en las faldas de la Parroquia San Miguel Arcángel. Situada a un costado del Parque Juárez.
“Sí al Jazz le gusta estar acompañado por multitudes, declina la soledad, y más si es un Festival Internacional de Jazz como el de San Miguel de Allende, donde se presentan máximos exponentes, como la cantante norteamericana Daline Jones radicada en Los Cabos, Baja California, desde hace 3 años. Aseguró el líder de la banda, Antonio Lozoya, quien además es uno de los organizadores del Festival”
Lo particular de tocar en las calles fue que cada una de sus melodías fueron una cuerda tibia al atar la tarde. A lado de los cuerpos que decidieron oírlos, junto el sonar de las campanas de la parroquia que volvieron sagrado el momento de diluir el sol, entre el sonido de dos baterías, una guitarra eléctrica y los inmensurables ecos del bajo que resonaron hasta para los muertos.